Blogg | Olsson & Gerthel

Sven Lundh startade varumärket Källemo år 1970, med målet att tillverka möbler av högsta möjliga kvalité som inte påverkas av trender. Sedan starten har Källemos värderingar vilat på tanken att kvalitet är ett brett koncept, som går att mäta. En av deras verksamhets viktigaste grundstenar har därför varit visuell långvarig kvalitet. Ur detta kommer även Sven Lundhs välkända citat “Det ska tåla ögats slitage”.

Källemo har alltid varit ett speciellt varumärke för oss på Olsson & Gerthel. Deras filosofi och värderingar stämmer väl överens med våra egna, och inte sällan tar de fram möbler som suddar ut gränserna mellan möbel och konstverk. Som en del av vårt 30-årsfirande håller vi nu en utställning dedikerad till Källemo i vår butik på Engelbrektsgatan 9 i Malmö, där du kan se både limiterade konstverk och möbler ur det ordinarie sortimentet – lekfullt sammanförda i en Ettore Sottsass-inspirerad miljö.

Källemo Concrete på Olsson & Gerthel

Källemos resa med innovativa samarbeten inleddes år 1981, då Jonas Bohlin ställer ut sitt examensarbete från Konstfack – stolen Concrete. Med sits och rygg helt i betong, tillsammans med ett stativ av järn, är det många som höjer på ögonbrynen och är kritiska till att konstverket verkligen ska få kallas för stol. Med tiden har stolen dock kommit att bli en uppskattad svensk klassiker, som än idag finns kvar i sortimentet hos Källemo.

Källemo Camilla på Olsson & Gerthel

En annan formgivare, arkitekt och konstnär som haft en stor inverkan på Källemos framgångar är John Kandell. Under sin verksamma tid uppmärksammades han tråkigt nog inte särskilt mycket av den bredare publiken, till skillnad från många av sina danska kollegor. Den svenska marknaden var helt enkelt inte lika långt kommen. Efter år av hårt arbete och ständiga nedslag tappade han under slutet på 60-talet allt mer den motivation och glädje han tidigare haft för sitt yrke.

John Kandell valde att dra sig undan från både branschen och omvärlden, och spenderade istället enorma mängder tid i sitt egenritade sommarhus på Blekingekusten. Fri från påtryckningar och stress, ägnade han sig istället åt ett mer ohämmat skapande. Bland annat skapade han en rad olika skåp av bråte som havet spolat upp. Vad han inte visste var att dessa skåp skulle komma att bli just den nytändning som han behövde.

Det skulle dröja fram till år 1982 innan John Kandell och hans fru, textilkonstnären Ulla Möller-Kandell, höll en utställning i Stockholm. Här visade han äntligen upp sina skåp för omvärlden, tillsammans med sin egen tolkning av en mjölkpall. Vackert upphängd på väggen upplevdes den nätta, trebenta stolen Camilla som ett konstverk, och utställningen fick mängder av uppskattning i tidskrifter som bland annat Form. Även om formgivaren varit relativt okänd för allmänheten, fanns det gott om insatta konstälskare som länge beundrat honom. En av dessa var Sven Lundh, som kort därpå inledde en diger övertalningsprocess för att till slut få John Kandell att börja ett nytt kapitel tillsammans med Källemo.

Källemo Pilaster på Olsson & Gerthel

När Kandell en kväll under slutet på 80-talet satt hemma i vardagsrummet, betraktade han alla de många travarna av böcker på golvet. Alla bokhyllor var redan fyllda. Då väcktes en idé till liv, som han snart ringde upp Sven Lundh på Källemo för att beskriva. Idén var så pass enkel att det aldrig ens behövdes ta fram någon ritning. Det är kanske just den enkelhet som gjort hyllan Pilaster till en så populär möbel. Förra året fyllde Pilaster 30 år, vilket Källemo firade med att ta fram en limiterad upplaga om 263 exemplar i Visingsöek.

Källemo Aluminium på Olsson & Gerthel

År 1991 får Källemo sitt nästa stora genombrott, då tillsammans med formgivaren Mats Theselius och hans klassiska älgskinnsfåtölj. Fåtöljen, av många ansedd som något av ett startskott för den moderna svenska möbeldesignen. Här finns också ett tydligt släktskap till fåtöljen Aluminium, då Mats Theselius ofta och gärna blandar kontrastrika, råa material.

Källemo Ingo på Olsson & Gerthel

Ur samarbetet mellan Mats Theselius och Källemo föddes även fåtöljerna Bruno och Ingo. Först ut av de två var Bruno som togs fram för en scenografi på Östgötateatern i Norrköping, där Noël Crawfords musikal Min fru går igen skulle spelas. Musikalen var ett lättsamt 40-talsspektakel med humor och mycket musik, och Theselius fick en idé om något som skulle föra tankarna till en blankpolerad svart taxi typisk för London.

Som så ofta med Mats Theselius projekt var ambitionerna skyhöga och idéerna många, vilket ledde till att han körde fast. Han ringde därför upp Sven Lundh på Källemo för att bolla idéer, varpå Sven frågade “Måste allting alltid vara så komplicerat?” – en fråga som fick allt att klarna för Theselius. Han bestämde sig istället för att gå i motsatt riktning och förenkla hela sin idé och fåtöljen Bruno var född. Fåtöljen fick därför ursprungligen namnet Sven, men ändrades till Bruno i samband med att formgivaren vann Bruno Mathsson-priset för sitt verk.

Källemo NON på Olsson & Gerthel

2000-talet inleddes av Boris Berlin och Poul Christiansen, där de tog fram en arketypisk stol som vid första anblick inte ser ut att vara mycket för världen. Återigen lyckas dock Sven Lundh känna igen sann konst när han ser den. Trots sin enkla form besitter stolen NON så otroligt många egenskaper. Den är nämligen tillverkad helt i syntetisk gummi, med undantag för dess stålstomme. I stolens sits har man gjutit in nylonband, medan ryggen försetts med fjäderstål.

Källemo själva beskriver NON som en stol man “måste känna för att se”, vilket är svårt att säga emot. Amerikanska Metropolitan Home valde beskrivningen “... det mest begåvade sättet att använda gummi sedan suddgummit kom till”. Men det som gör stolen NON så speciell är kanske inte bara att den både fungerar inomhus och utomhus, är bekväm eller har vunnit mängder av priser. För om man ber ett barn rita en stol, hur skulle den se ut? Precis som stolen NON.

Källemo Ettore på Olsson & Gerthel

Under möbelmässan i Stockholm år 2020 visade Källemo upp ett nytt soffbord, formgivet av konstnären Åsa Jungnelius, som utsågs till vinnare av priset Årets möbel. Förvånande nog är detta faktiskt konstnärens första möbel. Likaså var det första gången som hon fick en idé för just ett bord. Soffbordet heter Ettore som en referens till Ettore Sottsass och hans flitiga användning av kontrasterande geometriska former. Idén föddes ur Åsa Jungnelius enorma projekt, där hon fått i uppdrag att skapa konsten till den nya tunnelbanestationen på Hagaplan i Stockholm.

Hon har även hämtat inspiration från rondellen på Sergels torg, och den superellips som Piet Hein och Bruno Mathsson även använde till sina välkända matbord. Även om bordet Ettore uppfyller den funktion man förväntar sig av ett soffbord, råder det inga som helst tvivel om att bordet även är ett konstverk. Förutom det flerfärgade glaset som vackert skiftar i nyans beroende på vilken vinkel det betraktas ur, kommer den ihåliga triangulära basen i rostfritt stål med en unik målning på insidan. Varje exemplar målas individuellt av Åsa Jungnelius.

Källemo Al Dente på Olsson & Gerthel

Källemos relation med Åsa Jungnelius började dock två år tidigare då hon, tillsammans med kollegorna Gustaf Nordenskiöld och Fredrik Paulsen, skapade den lekfulla klädhängaren Al Dente för nyöppningen av Nationalmuseum i Stockholm. Klädhängaren plockades snabbt upp i produktion av Källemo. Klädhängaren ritades för museets restaurang, och refererar därför passande nog till pasta i både namn och form.

Källemo WOWMOM på Olsson & Gerthel

En annan limiterad möbel – och konstverk i ett – är den kontrastfyllda hyllan WOWMOM, även kallad Skafferiet, av konstnären Éva Mag. Inte sällan speglas hennes tankar i hennes verk, oavsett om det handlar om skulpturer i lera eller textilier. Likaså finns det ofta en koppling mellan hennes verk och kvinnokroppen.

Efter att konstnären födde sitt andra barn blev hon mer medveten om sin egen kropp, och kvinnokroppen i allmänhet. Både om dess förmågor, men också dess utsatthet. Kvinnokroppen hamnar i centrum och ger näring. Kanske är det just därför den tydligt graverade texten “WOWMOM” täcker just det mellersta hyllplanet som ger stabilitet till den närmare två meter höga hyllan.

Fogia Bond i lösa delar från Olsson & Gerthels guide

I Skandinavien är vi vana vid att det finns flera flexibla hyllsystem och förvaringslösningar att välja mellan, där man med hjälp av olika delar kan skräddarsy någonting som täcker alla vardagliga behov. Många är uppvuxna med hyllsystem som String eller Elfa, vilka uppnått sin popularitet tack vare en ytterst genomtänk design, bra valmöjligheter och relativt enkel montering. Desto svårare är det dock att lyckas få till ett hyllsystem att passa alla människors behov när det kommer till olika stilar, vilket därför lämnar gott om utrymme för konkurrens.

Den svenska möbeltillverkaren Fogia såg ett tomrum att fylla med hjälp av ett hyllsystem som bygger på ytterst få delar, och som samtidigt har ett helt eget formspråk. Hyllsystemet är perfekt för dig som gärna håller dig till naturmaterial, då du kan välja samtliga delar i antingen valnöt, ek eller ask.

Hyllsystemet Bonds många användningsområden

Väggmonterad Bond som bokhylla från Fogia, byggd runt en TV

Det är dock inte enbart formspråk och material som gör Bond till ett bra hyllsystemet. Hela idén bygger nämligen på att hyllsystemet ska kunna byggas utifrån din befintliga planlösning och inredning. Ett enkelt exempel är hur man kan lämna ett utrymme fritt i mitten av en stor bokhylla för att snyggt kunna rama in sin TV.

Tips: Om du planerar att använda Bond som bokhylla intill en vägg kan du överväga tak- eller väggmontering istället för placering direkt på golvet. Hyllan får då ett svävande och lite lättare uttryck, samtidigt som du enkelt kommer åt med dammsugaren undertill. Väggmontering är dessutom perfekt i rum med stuckaturer i taket.

Fogias hyllsystem Bond takmonterad och byggt rund en dörr

Ett hinder som man inte alltid kan göra så mycket åt, åtminstone inte utan en hantverkare, är dörrarnas placering i hemmet. Bond är en utmärkt lösning för detta, då du enkelt kan bygga runt en dörröppning. Detta fungerar naturligtvis även runt exempelvis ett fönster eller andra hinder, förutsatt att du har tillräckligt med utrymme ovanför.

Hyllsystemet Bond från svenska Fogia, takhängd över en köksö

Har man en öppen planlösning mellan köket och vardagsrummet – kanske med en köksö – passar det ypperligt att hänga upp Bondhylla i taket. Här får du då plats för köksmaskiner, skålar och andra tillbehör. Samtidigt skärmar du av köket något, utan att det känns instängt. För vem har sagt att en rumsavdelare behöver stå på golvet?

Mindre modell av Fogias Bond, takhängd över en köksbänk

Även om tankar och idéer lätt kan skena iväg när man föreställer sig möjligheterna med hyllsystemet Bond, får man inte glömma bort att det inte enbart fungerar i de stora, pampiga vardagsrummen. Du kan exempelvis montera en takhängd nätt liten hylla i kokvrån om du bor lite mindre.

Bondhylla monterad i tak intill en soffgrupp, byggd runt en tavla

Ett av våra egna favoritsätt att använda hyllsystemet Bond på vid en soffgrupp är att lämna ett utrymme för en stor tavla. Detta ger både gott om plats för prydnader, mindre lampor, böcker och växter – samtidigt som konsten tillåts få den uppmärksamhet den förtjänar.

Tips: Använd gärna rundstavar i båda höjderna när du bygger ett större hyllsystem. Detta ger en mer dynamisk och levande känsla eftersom hyllplanen inte kommer i ett helt förutsägbart mönster.

Hyllsystemet Bond från Fogia, golvmonterad som en bokhylla och rumsavdelare

Vanligtvis föreställer man sig alltid en fristående bokhylla intill en vägg, men även här trotsar hyllsystemet Bond begränsningarna. En golvmonterad version av hyllsystemet fungerar utmärkt som rumsavdelare i det rymliga hemmet såväl i det offentliga, för att snyggt kunna avgränsa olika miljöer och samtidigt bevara hela rummets luftighet. Likaså är det ett utmärkt alternativ till exempelvis ett räcke på de ställen man har etage eller nivåskillnad på golvet.

Fogia Bond med väggmontering över ett skrivbord

Om du planerar att inreda hemmakontoret med en Bondhylla kan det vara en god idé att montera en takhängd modell några centimeter från väggen, förutsatt att utrymmet tillåter. Detta gör att du lättare kan ställa pärmar på hyllan med god stabilitet, då hyllplanens djup endast är på 20 centimeter. En vanlig pärm brukar vara ungefär 25 centimeter. Att hänga hyllan några centimeter från väggen ger dessutom ett luftigare uttryck med en mer frihängande känsla – något som även fungerar utmärkt i exempelvis vardagsrummet.

Takhängd Bond med avstånd till vägg för mer plats till pärmar

Få delar – stora möjligheter

Hyllsystemet Bonds hyllplan och avslut

Namnet Bond kommer från sättet som hyllsystemets delar “binds samman”, helt utan verktyg. Båda sidorna av hyllplanen är har en smalare del som gör att du smidigt kan placera ett hyllplan över ett annat för att sedan föra in stoppskruven genom hålet som sedan fästs i direkt i rundstavarna. Här finns det även en kortare del som fungerar som ett avslut, som följer precis samma princip.

Hyllsystemets delar

  • Hyllplan
  • Avslut till hyllplan
  • Rundstavar 10, 25 och 35 cm
  • Avslut till rundstavar
  • Väggfäste
  • Stoppskruv
  • Skruv 6 mm M6 (endast för vägg- och takmontering)

Fogia Bond monteringsanvisningar

Rundstavarna som bestämmer avståndet mellan hyllplanen finns att tillgå i en höjd på 25 eller 35 centimeter. Varje horisontell rad måste ha samma höjd. Skulle du däremot lämna en öppning mitt i hyllan kan du naturligtvis bygga olika höjder på respektive sida. Den kortaste rundstaven på 10 centimeter används endast för golvmonterade hyllor, och är den första delen som ska vara i kontakt med golvet.

Takhängd Bondhylla med överhängande hyllplan

Även om hyllsystemet kommer med stora möjligheter, är det naturligtvis också så att det tillkommer några begränsningar. För den takhängda varianten av Bond kan man endast ha en sektion överhängande utan att använda sig av väggfästen. Detta är särskilt bra att känna till om du planerar att hänga upp hyllan några centimeter från väggen.

Väggfästen är också ett krav när du bygger hyllsystem högre än sex hyllplan, vare sig det handlar om en takhängd eller golvmonterad modell. För väggmonterade hyllor använder man sig alltid av väggfästen, vilket gör att du inte behöver ta hänsyn till antal hyllplan eller bredd.

Fogia Bond har en maxvikt på 10 kg

För att din hylla ska hålla under lång tid och undvika slitage är det viktigt att man inte överbelastar den. Maxvikten per hyllplan är 10 kg.

Observera: Hyllsystemet är inte byggt för att klara av tyngre vikter, eller att man klättrar på det. Har man små barn är det därför en väldigt god idé att använda väggfästen och helt undvika exempelvis en högre golvmonterad Bond som rumsavdelare.

Bond i färdiga kombinationer

Fogia Bond Hyllsystem i färdiga kombinationer

För dig som inte enbart lockas av hyllsystemets förmåga att byggas runt dörröppningar, skrivbord, tavlor och TV-apparater finns även ett flertal färdiga kombinationer att beställa i vår webbutik. Eftersom du när som helst kan fortsätta bygga på din hylla med fler delar fungerar de färdiga paketen utmärkt att använda som utgångspunkt, för att sedan kompletteras om dina behov skulle förändras längre fram. Observera att det färdiga kombinationerna också levereras i delar. Se våra färdiga kombinationer här.

Konfigurera din Bondhylla online

Fogia Bond Konfigurator

För att göra byggandet av hyllsystemet Bond lättare har Fogia tagit fram en praktisk och användarvänlig konfigurator. Det första steget i konfiguratorn är att välja om du önskar vägg-, tak- eller golvmontering. Därefter väljer du önskat träslag. Sedan drar du enkelt in låga eller höga moduler och börjar bygga den uppsättningen du önskar.

Konfiguratorn räknar sedan ut exakt hur många delar som krävs för din kombination. Du får sedan möjlighet att ladda ner ett produktblad som ger dig en överblick över din hyllas delar och dimensioner. Detta produktblad kan i sin tur användas när du är redo att beställa, för att undvika misstag. Prova Fogias konfigurator för Bond här!

Håkan Olsson har med sig erfarenheter från ett mångårigt arkitektarbete med början i studier på LTH, praktik i Schweiz, arbete hos Jaenecke Arkitektgrupp, förste arkitekt på Fastighetskontoret i Malmö och, från 1990, egen verksamhet inom O&G där han ritat villor, sommarhus, om- och tillbyggnader samt inredning av butiker, galleri, advokatkontor mm.

Varför valde ni ledorden “Konsten, möblerna, kunskapen?”

Från början var det helt enkelt ord som beskrev den verksamhet som vi bedrev. De orden har kommit att betraktas som ledord i efterhand. Olsson & Gerthel springer ur Galleri Gerthel, där vi ställde ut skissmaterial från arkitekter. Vi visade också material från scenografer och fotografer. Att låta arkitekter och scenografer få plats på ett konstgalleri var ovanligt i Sverige under slutet av 1980 och början av 1990-talet.

- Möjligtvis vanligare på andra ställen runt om i Europa, menar Håkan.

En del av verksamheten då, precis som nu, var att sälja böcker om arkitektur.

Det saknades ett sådant sortiment i Malmö. En av våra största kunder på den tiden var den numera välkände Gert Wingårdh. Gert var också en av de unga konstnärerna som vi presenterade i vår första utställning. Han passade också på att handla böcker av oss när han besökte sina kunder i Skåne. Berättar Håkan.


Foto: Åke Hedström

Ett annat välkänt namn som Galleri Gerthel presenterade var arkitekten Javier Mariscal.

- Han var i ropet under den här tiden eftersom att han gjorde den grafiska profilen till Olympiaden i Barcelona 1992, menar Håkan. Mariscal ritade även möbler, inredningar och en del hus. I samband med det hamnade det en del möbler i galleriet. Där någonstans uppstod förbindelsen mellan konsten och möblerna. 

Vi kände nu att vi var i behov av större lokaler för att kunna inhysa alla tre verksamhetsben. Lokalen vi fann låg på Engelbrektsgatan, nära Lilla Torg, där butiken finns idag. Våren 1990 öppnade Olsson & Gerthel i sina nya lokaler. Butikens inredning, som idag är att betrakta som ett kännetecken för Olsson & Gerthel, gick i svartvitrandigt som matchades med plywood och mörka trägolv. Verksamheten bestod av galleri, butik och arkitektkontor.

Håkan fortsatte att finna nya intressanta arkitektuppdrag. Butiksytan fylldes av exklusiva italienska och nordiska möbler. Galleriet fortsatte att ha omkring sju, åtta utställningar per år. - Det kom en hel del folk på våra vernissager. Det blev en slags marknadsföring för butiken samtidigt, menar Håkan 

Inte långt efter att Olsson & Gerthel hade öppnat i sina nya lokaler så hamnade Sverige i en närmast chockartad ekonomisk kris. Det pågick oroligheter på flera ställen runt om i världen och som följd hamnade Sverige i en djup lågkonjunktur. Olsson & Gerthel fick lov att anpassa sig till omvärlden för att kunna överleva. Galleriet lades ner 1996 medan de andra verksamhetsbenen levde vidare och till och med utökade. 

Håkan Olsson är först och främst arkitekt men såg kopplingen mellan arkitektur och inredning som något fruktbart. Vid den här tiden var det inte så många arkitekter som ägnade sig åt inredning och möbelhandel. För att återknyta till det här med kunskapen som ett av Olsson & Gerthels ledord så tror Håkan att en arkitekt generellt besitter en djupare kunskap på det här området än andra.

- Upphovsmän bakom många möbelklassiker som finns på marknaden är ofta arkitekter. Alltså inte formgivare eller inredningsarkitekter utan arkitekter. Håkan Olsson har en teori om att det handlar om att en en möbel som är formgiven av en arkitekt naturligt visar respekt för huset som den ska bo i. Vidare menar han att en arkitekt besitter kunskap om arkitekturhistoria, material och konstruktion. Kunskap som är nödvändigt för att göra en bra möbel. - Arkitekter är inte så krasst kommersiella, de är kanske mer benägna att se något konstnärligt ihop med en liten skvätt idealism. Jag vill gärna tro att man strävar efter en annan typ av kvalitet, menar Håkan.

Kan du ge våra kunder 3 goda inredningstips från någon som verkligen kan inredning?

  • Anlita en professionell rådgivare.
  • Lägg tid på att skaffa en genomtänkt belysning. Belysning i form av ljusinsläpp kan vara det allra viktigaste när man arbetar med en planlösning.
  • Som regel bör man undvika att skapa en alltför formell och representativ miljö. Ett hem är trots allt den plats man själv ska trivas i, och inte i första hand något som man visar upp för andra. Man kan se det som att hemmet är en plats där möbler och saker från olika stilar, epoker, minnen och personliga uttryck får leva tillsammans. Josef Frank kallade detta “accidentalism” och det tycker jag är en bra princip för hur man skapar ett vackert hem.

Kan du nämna en arkitekt, en designer och en konstnär som betytt mycket för dig?

Arkitekt Carlo Scarpa. När jag såg bilder av byggnader som han gjort, det var efter hans död. Tyvärr stötte jag på hans namn ganska sent, men jag blev direkt väldigt tilltalad och så har det förblivit sedan dess.

Designer Antonio Citterio, har ritat många fantastiska möbler tycker jag. Han har gjort en hel del bra för B&B italia, Flexform och Vitra. Han har lyckats producera väldigt mycket utan att kvaliteten har blivit lidande.

Konstnär Gerhard Richter. Hans måleri som kan ta sig uttryck i vitt skilda sätt vilket gör att det inte alltid är självklart ett verk av Richter, han behärskar många olika uttrycksformer. 

Sist men inte minst, vad betyder stil för dig? Kan du berätta vilken stil som du representerar och som håller genom alla modeväxlingar?

Jag representerar ingen särskild stil, och hämtar inspiration från alla delar av arkitekturhistorien till min egen arkitektur. När jag påbörjade mina studier på 1960-talet var modernismen totalt dominerande, och detta har såklart påverkat hela min generation. Modernismen är idag så etablerad att den har blivit klassisk, men många modernister skulle så klart inte gilla att bli kallade klassicist, och vice versa. Men när modernismen är som bäst finns det något med de grundläggande proportioner och balans mellan elementen som kan kallas klassicistisk. Den har ett bestående värde, tror jag. Det håller alltid.

Det har gått hela 30 år sedan det för första gången trycktes en folder som hette “Det inre rummet”, där Konsten, möblerna, kunskapen utgjorde den röda tråden. Lika länge har ledorden Konsten, möblerna, kunskapen genomsyrat vår verksamhet. Dessa ord utgjorde grundarnas vision och var självklara från dag ett. Men vad innebär de egentligen och hur blev det så? Vi fick en liten pratstund med galleristen, formgivaren, inredaren, författaren och en av grundarna tillika delägaren av Olsson & Gerthel, Susanne Gerthel.

Susanne föddes i Stockholm som “skådespelarbarn” till operasångaren Olav Gerthel och växte upp i ett hem där musiken och sången alltid var närvarande. Hennes morföräldrar drev en möbelaffär i Höganäs och Susanne spenderade åtskilliga timmar i deras affär med möblerna ständigt närvarande omkring sig.

 - Speciellt så minns jag första gången jag fick se Bruno Mathssons fåtölj Pernilla. Den utmärkte sig med sin lätthet och vackra former i jämförelse till tidigare tunga och klumpiga möbler.

Efter en semesterresa genom Italien som fjortonåring med sina föräldrar så väcktes en nyfikenhet om andra språk och kulturer. Susanne lät dock förnuftet styra och valde att utbilda sig till lärare. Vilket hon också hade som yrke i några år innan hon tog steget och reste iväg.

- London, Paris, Dubai och boendes på ett kaffeplantage i Papua Nya Guinea. Fantastiska äventyr och möten, men det är en helt annan historia, skrattar Susanne.

1976 på en restaurang vid Pildammsparken i Malmö så träffade Susanne tillsammans med vänner första gången arkitekten Håkan Olsson, som hon sedan också gifte sig med och tillsammans fick de barnen Nina, Max och Adam.

- Varje söndag promenerade vi alltid till Malmö Konsthall för att titta på de aktuella utställningarna och när barnen föddes så fick de följa med. Malmö Konsthall har betytt enormt mycket för mig och för hela vår familj.

Året 1987 i ett postmodernistiskt hus ritat av arkitekten Lars Asklund öppnade Susanne Galleri Gerthel på Gamla Väster i Malmö som var Sveriges första design- och arkitekturgalleri. Målsättningen med galleriet var att stimulera den estetiska debatten samt fungera som ett växthus för ideér och projekt. Det var väldigt uppskattade evenemang och drog alltid fullt hus när inrednings- och konstintresserade personer knökade in sig i Galleri Gerthel. Det var här intresset för att göra något mer skapades.


Inbjudningskort till olika vernissager på Galleri Gerthel

- Vi ville visa det okända nya, som inte har något namn likväl som det kända och accepterade. Men det krävdes mycket arbete och de flesta inbjudningskort gjorde jag själv, tror det blev 90 st utställningar till slut.


Foldern “Det inre rummet” från öppningen 1990

Så den 22 mars 1990 öppnades Olsson & Gerthel på Engelbrektsgatan 9 i Malmö med champagne i glasen och stråkorkester i bakgrunden. Galleri Gerthel fick flytta med och den nya verksamheten bestod av galleri, möbelaffär och arkitektkontor. Därav en självklarhet att verksamheten skulle vila på de tre ledorden konsten, möblerna, kunskapen.


Susanne i Galleridelen i butiken vid 10-årsjubileet

– Konsten tog jag hand om på Olsson & Gerthel eftersom jag drivit Galleri Gerthel under tre års tid och ville fortsätta göra spännande utställningar inom konst och design.

Möblerna i verksamheten var både Susanne och hennes dåvarande make tillika delägare, Håkan Olsson, intresserade av. Tillsammans besökte de spännande möbelmässor i bland annat Milano, Köln samt stimulerades av konst och arkitektur i Venedig på Biennalen.

Susanne och Håkan lät världen komma till lilla Malmö när de med självklarhet valde att visa möbler från från italienska Fendi, Sawaya & Moroni, Moroso, Molteni och Minotti. Efter hand har Olsson & Gerthel fått anpassa sig till hur marknaden är i Malmö och Sverige.  Från att ha följt det spännande som skedde på kontinenten, har Håkan och Susanne även sneglat på det mer skandinaviska in på 2000-talet då danska och amerikanska 60-talsmöbler varit mycket populära.


Entrén i butiken 1990

– Vi köpte i början in så udda möbler att många tyckte att affären borde ligga i New York i stället för Malmö. Men en del möbler var så vackra så det gick helt enkelt inte att låta bli.

Allt eftersom att kunderna kom till butiken och inspirerades av utställningen så fick Susanne förfrågningar om att utföra inredningsuppdrag. Detta innebar att Susanne blev en flitigt anlitad inredare som mellan 1995 fram till sin pension utförde mer än 200 inredningsuppdrag, både till privata hem liksom till offentliga miljöer. En utgångspunkt som Susanne alltid har haft är att inredningen ska hålla över tid. Till Bo01-mässan i Malmö fick hon till uppgift att inreda ett radhus ritat av Lars Asklund som senare i en tidningsartikel blev kallad Asklund/Gerthel-radhuset.


Asklund/Gerthel-radhuset på Bo01

– På Bo01 ville jag visa besökarna att man inte behöver övermöblera sina hem. Låta möblerna harmonisera med konsten d.v.s. färre möbler och mer konst. Viktigt också att ett hem möbleras så att man orkar med det. Vilket betyder att inredningen inte skall vara upphängd i den senaste inredningstrenden.

Utöver detta har Susanne också formgivit vårt populära soffbord Alice, flertalet mattor samt en egen smyckesserie.


Några av Susannes många smycken

Susanne började tillverka egna smycken redan som tonåring, men det var aldrig någonting som hon skyltade med. Hon har under flera år haft smyckeutställningar på Galleri Gerthel med både svenska och danska guld- och silversmeder. Men det skulle dröja ända till 1998 då hon tar steget och visar sina egna smycken. Precis som med hennes möbel- och mattdesign är det enkla geometriska former som gäller.


Här syns Susannes vackra soffbordsdesign

Inredningstips från Susanne Gerthel

– Blanda gärna gammalt och nytt. Det ger en fin atmosfär. Se dessutom hur ljuset kommer in i rummet och möblera efter det.

Susanne fyller i att ett hem ska vara spännande att komma in i. Som inredare vill hon göra grunden, och sedan ska kunden fylla på detaljer genom inköp av konst och udda artefakter. Susanne gillar lätta soffbord, gärna med glas, så att man ser mattan under.

– Använd gärna någon udda vacker fåtölj till soffgruppen. Liksom att kontraster är viktiga.

Susanne understryker hur viktigt första mötet med kunden är, det är då hon skapar sig en uppfattning om vad kunden önskar.


Ett fåtal av de många artiklarna om Susanne

Olsson & Gerthel är galleriet (Galleri Gerthel) som sedan blev det lilla varuhuset med ambitionen att kunna erbjuda en komplett inredningslösning. Konceptet tog sin utgångspunkt i arkitekturen, det handlade om att kunna möblera upp husen vi ska leva i. Och det ska göras med inredning med konstnärliga kvalitéer. Det här var Malmö 1990, en tid och en stad som på många vis inte alls var redo för Håkan Olsson & Susanne Gerthels ambitioner. 

I år, 30 år senare, drivs verksamheten vidare med samma ambition som tidigare. Konsten, möblerna, kunskapen, har på olika sätt varit ryggraden i verksamheten sedan starten. Kanske att vi alltid har lagt lite större tyngd vid kunskapen - Det ska vara en kunskapsbaserad verksamhet. Böckerna, kunskapen har alltid haft en central roll och det är kunskapen som har givit oss möjligheten att med en säker hand kunna vägleda våra kunder till att göra långsiktiga och bra val.

“Husen vi bor i, kyrkorna vi ber i, teatrarna vi ler i… T.o.m. broar, stationsbyggnader, kontor, varuhus och busshållplatser kan vara fantastiska konstverk”. Detta är ett utdrag ur vårt manifest vi publicerade för 30 år sedan och det är lika aktuellt idag. För oss handlar det nämligen inte bara om möbler. Det handlar lika mycket om att kunna se konsten i allt, precis som man kan se skönheten i det mesta. Detta var också grundtanken när Susanne Gerthel en gång i tiden startade nordens första galleri med fokus på arkitektur, tillsammans med dåvarande maken Håkan Olsson.

Kunskapen handlar också om att kunna göra urvalet, att kunna se vad som har konstnärliga och relevanta kvalitéer. Det handlar inte om att ha ett stort utbud utan om att ha ett bra utbud.

Vi vet att varje konstverk eller möbel har en intressant historia – och den vill vi berätta om. Det är med stor glädje och engagemang som vi har delat med oss av vår kunskap och utbud av inredning i 30 år.

Konsten, möblerna, kunskapen. I 30 år har dessa kärnvärden varit bärande för vår verksamhet. Det är med dessa tre hörnpelare som Olsson & Gerthel nu i 30 år har hjälpt kunder att skapa välplanerade, tidlösa och funktionella hem. Hem att leva och trivas i.
Ända sedan 1990 har vårt utbud eftersträvat att återspegla det bästa som samtiden har att erbjuda av god design – med särskild tonvikt på konstnärliga kvaliteter. Vi vill erbjuda våra kunder en noga utvald blandning av gamla och nya designklassiker.

Nu väntar ytterligare 30 år framåt, där vi vill fortsätta lyfta fram tidlös inredning med konstnärliga inslag. Med stor ödmjukhet inför en tuff bransch så vill vi också tacka alla kunder som har varit oss trogna genom åren. Genom detta fortsätter vi leva upp till Konsten, möblerna, kunskapen.

Konstnären Mimmi Montán

Mimmi Montán är en Malmöbaserad konstnär som kommer från en familj av kreativa, där hon under hela sin uppväxt uppmuntrats att skapa konst som både är processdriven och konceptuell. Just nu hänger fyra av hennes målningar i vår butik på Engelbrektsgatan 9.

Montáns målningar består av olika typer av landskap där hennes utgångspunkt är det visuella intrycket som hon sedan kanaliserar in i sina verk. Därefter konstruerar hon mängder av lager för att med en känsla av modernism; klippa överflödiga detaljer och betona motivets enkla former och ytor, då det först och främst är den övergripande lysande effekten av landskapet som träffar en.


Yellow bells/Arizona drought, 122x122 cm

På sitt abstrakta men raka sätt vill hon att målningarnas många färgskikt ska vara en inbjudan in i hennes nostalgiska värld. Målningarna representerar den kvinnliga kroppen och den naturen hon har samlat på sig sedan barnsben.


Alger, Algae, 124x183 cm

Vi vill informera dig om att vi har nya öppettider i vår butik. Besök oss 12-18 på vardagar och 12-16 på lördagar.

Du kan även besöka vår webbutik där vi välkomnar dig när du vill. Både online och i butik kan du beställa beställningsvaror precis som vanligt.

En del leverantörer har dock tillfälligt stängt sina fabriker i respektive land eller flaggat för leveransförseningar, så räkna med längre leveranstid för en del varumärken (se nedan).

Leverantörer som tillfälligt stängt sina fabriker

Gervasoni
Ligne Roset
Desalto
Magis
Petite Friture
Flos
Stua

Leverantörer med ev. längre leveranstider

Bent Hansen
Foscarini (gäller endast reservdelar)
DUX (gäller endast Jetson, samt tyget Flax 21)
Gubi
Artemide (fabrik är igång, men kommer inte kunna skicka något förrän Italien prel. öppnar 4 april)
Asplund (gäller endast mattor)

Vi uppdaterar leveranstider löpande på varje produkt i vår webbutik.

Hälsningar,
Olsson & Gerthel

Fokus på hållbarhet

Nu är årets stora, svenska, möbelhändelse avslutad – Stockholm Furniture & Light Fair. 2020 års upplaga kantades givetvis av diskussionen kring hållbarhet. Flera stora varumärken valde att avstå mässan och bjöd in till andra aktiviteter runt om i stan. Om man nu ska fundera på hållbarhet kan man fundera på om det är värt att samla hela Skandinavien till en möbelmässa? Å andra sidan är det smart att vi kan åka till endast en mässa och få uppleva så mycket på en och samma gång. Det tackar vi också för. Hur som helst, årets mässa handlade mycket om att tänka på framtiden på ett mer hållbart sätt där möbler i förnyelsebara material presenterades.

Hedersgäster: Doshi Levien

Designerparet Doshi Levien var årets hedersgäster på mässan. Paret presenterade en monter fylld med möbler gjorda av material som ska kunna gå att användas igen. Den närmast sakrala montern bjöd på färg- och formglädje och som ledde tankarna tillbaka till 1980-talets lekfulla postmodernism med Memphisgruppen som banbrytande pionjärer. Nu som då handlar det om att skapa känslor och väcka debatt.

Fun Fair av Fredrik Paulsen

Även årets Designbar ‘Fun fair’ ritad av Fredrik Paulsen bjöd på en färgstark, postmodern och lekfull flirt. Kanske är det också just det som är inredningens och konstens viktigaste uppgift (?); att skapa hem som lyfter fram livslusten och glädjen.

Ettore av Källemo

Vi vill särskilt lyfta fram Åsa Jungnelius soffbord ‘Ettore’, producerat av Källemo, som rör sig fritt i gränslandet mellan möbler och konst och som bejakar både glädje och livslust. Blinkningen till Ettore Sottsass, Memphisgruppens grundare, gick ingen förbi. Endast 39 bord produceras och varje bord är invändigt handmålade.

Industridesignern Jenny Nordberg 

Jenny Nordberg, som under våren kommer att synas allt mer hos Olsson & Gerthel, aktualiserar gärna frågor om hållbarhet i sina projekt. Under veckan ställde hon ut pulverlackerade vaser tillsammans med Hem Studio. Vaserna bestod av pulverlackerad, överbliven plåt som sammanfogats till att bli ett nytt, dekorativt objekt. Vi ser fram emot att få se mer av Jenny Nordberg under våren.

Flera spännande montrar

Vi vill också hylla både Magis och Fogia för lekfullt, härliga montrar. Fogia lät deras serie av plexiglas göra comeback och fungerade fint ihop med den fantastiskt sköna liggfåtöljen ‘Lyra’, designad av Andreas Engesvik. Så har man en ‘Bollo’ som man älskar så kan man nu även investera i ett väldigt bekvämt och mysvänligt syskon.

Även Wästberg, baserade här i Malmö, bjöd på fina nyheter. Likaså småländska Voice visade upp funktionella och bra nyheter, speciellt till alla med en trångbodd hall. Carl Hansen & Søn ställde ut nyfunna skatter i arkivet – allt producerat i kanske det mest hållbara materialet som finns: trä. Gamla klassiker som kan älskas i många generationer är kanske det som är de allra mest hållbara alternativen. Problemet är att vi ofta tröttnar. Då kan lekfull färg och form som producerats av återvunnet eller överblivet material få stå för den lustfyllda konsumtionen. Ett bra exempel på att ta vara på överblivet material är mattan ‘Flourish’ från Kasthall, där spillmaterial från produktionen samlas ihop och sorteras i färger för att sedan bli en matta.

Summering

Sammanfattningsvis handlar årets trender om att konsumera smart. Det handlar om att välja produkter som inte fraktas långväga. Det handlar också om att köpa produkter som produceras på ett ärligt sätt och som kommer att hålla länge. Vet du ändå att du kommer tröttna, välj då ett material som kan användas igen. Möblernas främsta funktion är trots allt att få oss må bra i våra hem, i våra liv, på våra arbetsplatser och det bjöd årets Stockholm Design Week flera härliga exempel på.

Produktnyheter 2020

Nedan listar vi ett urval av intressanta produknyheter från Möbelmässan.

Tense Pendant Lamp från New Works

Tense är en vacker pendel som är tillverkad i det mjuka, men slitstarka, materialet Tyvek och som skapar en känsla av ett svävande moln. Materialet är dessutom 100% återvinningsbart!

Ilumina från Wästberg

Från Ilse Crawford och Wästberg hittar vi denna fantastiska skapelse. Den vann årets belysning på mässan och vi förstår varför.

Betty i träsits från &tradition

Betty kommer nu även i träsits och finns i flera, vågade färger förutom det utförande som visas nedan.

Rope Chair från Artek

Bröderna Bouroullec gör en sällan besviken, och denna gången är inget undantag. Med Rope Chair får de utlopp för sin lekfullhet och kreativitet till fullo.

Domus från Dux

1955 designade Alf Svensson Domus. Och nu återlanserar Norm Architects ihop med Dux denna fantastiskt sköna och eleganta fåtölj på nytt, där den visades upp i Dux & Menus utställning The Sculptors Residence hos Nosh and Cow.

Supersolid från Fogia

Fogia lanserar denna härliga serie av möbler som kan användas precis hur man vill. Den är formgiven av Stockholmsbaserade Note Design Studio som redan innan gjort flera intressanta saker för Fogia, däribland varumärkets första belysning någonsin: Persimon.

Vi har precis lagt veckan, som vissa kallar årets värsta vecka, bakom oss. Varför inte inleda året starkt med former som ger oss positiv energi?

Massproductions 'Dandy' Soffa

Dandy har blivit en klassiker och en av våra mest efterfrågade soffor. Vi förstår varför. Det är en bekväm, sofistikerad, formstark och på många vis en klassisk soffa. Uttrycket står med ena benet i 40-talets Malmsten, ett annat ben i Noguchis experimentella Free Form och det sista benet i Chris Martins egna formvärld – som på kort tid har gjort Massproductions till ett av våra mest lysande svenska möbelföretag.

Ligne Roset 'Togo' Soffa

70-talets formgivning, som på många sätt revolterade mot 30-40-talets kontrollerade stil, är nu på väg tillbaka. Togos generösa uttryck bjuder in till mysigt loungehäng och man kan inte annat än att älska den omslutande, totala komforten som Togo erbjuder. Det här är formfrossa när den är som bäst!

Paper Collective 'Wrong Geometry 02' Poster

Färg och form är precis vad det här printet erbjuder. En färginjektion som piggar upp de flesta inredningar, vilket behövs lite extra nu när januari månad går mot sitt slut.

Ferm Living 'Hebe' Lampa

Är den här lampan fin eller ful? Det spelar ingen roll, för den är unik i sitt uttryck. Den är rolig, den har karaktär och de flesta har en åsikt om den. Med sin kornblå, glaserade keramikfot och curryfärgade lampskärm ger den varje hem en känsla av ett vågat, kreativt uttryck.

Verpan 'Panton Grande' Matta

Verner Panton är mannen som älskade färg och form och som gjorde det till sitt signum. Den runda mattans mönster och härliga färg adderar en C-vitamininjektion under en tung och grådaskig vinterdag.

Han var en av Frankrikes främsta möbeldesigners som gick bort 2009. Hans namn var Pierre Paulin, en alldeles fantastisk och legendarisk designer som gjorde design till en konst. Hans möbler var funktionella, iögonfallande och skapade som svampar, tungor och tulpaner. De hade ett futuristiskt utseende, var klädda i stretchtyg och hade en ergonomi som hämtad från en sci-fi-film. Hans formspråk var dock helt tvärtom hur Pierre Paulin var som person. Själv var han nämligen blygsam och anspråkslös, utan att alls vilja synas i rampljuset. Dock önskade Pierre Paulin 2008, ett år innan sin bortgång, att fler av hans verk som aldrig hade lanserats skulle få se dagens ljus. Och det är denna önskan som hans son, Benjamin Paulin, strävar efter att uppfylla i dag när han bevarar och skyddar Pierres kreativa arv och gör så att hans skapelser får det erkännande som de förtjänar.

Uppväxt i norra Frankrike

Pierre Paulin föddes 1927 och hade två fransk-schweiziska föräldrar, där familjen tillsammans växte upp i den lilla staden Laon i norra Frankrike. Här kom Pierre att drömma om ett annat liv, långt bort från den arbetarklassprägel som rådde i staden där den enda framtiden var att gå med i militären eller arbeta i stadens järnvägsfabrik. Tur var då att Pierre hade en farbror som var bildesigner för bland annat Rolls-Royce och Bentley. Pierre såg upp till sin farbror och denna kreativa skapandeprocess var något som skulle ligga till grund för Pierres framtida karriärval.

Från början ville Pierre bli skulptör, men en skada i hans högra arm satte stopp för hans drömmar. Han började då på konstskolan Ecole Camondo i Paris, då 24 år gammal. Redan innan dess hade han fått upp ögonen för skandinavisk design där han gillade det ljusa, enkla som var helt annorlunda än det mörka och dekorerade som han hade växt upp med hemma. Här inspirerades han särskilt av två danska designers, Verner Panton och Arne Jacobsen. Men han skulle även inspireras av det funktionella formspråket från flera amerikanska designers, särskilt makarna Charles och Ray Eames som har haft en väldigt stor betydelse för honom.

Karriären som designer tar fart

Tidigt 1950-tal önskade Pierre att få designa sina egna möbler, men han hade svårt att hitta en tillverkare som kunde stötta honom i sitt projekt. Han fick då ekonomisk hjälp av sin pappa och 1953 kunde han ställa ut sina första möbler på den årliga utställningen Salon des Arts Ménagers som ägde rum i Paris, där även privatpersoner får en chans att visa upp sina verk. Utställningen blev lyckad och redan följande år började han arbeta för Thonet och ritade bland annat fåtöljen Armchair. Men karriären skulle först ta fart på riktigt när han började arbeta för det holländska möbelföretaget Artifort och han 1960 skapade ikonen Mushroom – fåtöljen som i dag ingår i den permanenta kollektionen hos MoMa i New York.

Desto trögare skulle det initialt gå för en annan, numera ikonisk möbel, som Pierre också har designat för Artifort: Tongue. När Pierre först visade upp fåtöljen Tongue för Artiforts dåvarande chef, Harry Wagemans, sa holländaren bestämt att den aldrig skulle produceras. Det var inte förrän Harrys son hade fest hemma, där Tongue-prototyper fanns, som flera av gästerna fullkomligt älskade den som fåtölj och chefen för Artifort fick äta upp det han en gång hade sagt om fåtöljen. Tydligen så gick den hem hos den yngre generationen – precis som Pierre hade förutspått. Allt eftersom skulle fler verk av Paulin se dagens ljus – Ribbon, Tulip och Orange Slice var bara några av dem. De var likt som Mushroom och Tongue resultatet av Pierres innovativa experimenterande när han använde en metallram som bas för en fåtölj, därefter täckte den med stretchtyg i diverse kulörta färger. Detta gjorde honom till en pionjär för sin tid då han var först med att använda elastiskt tyg som möbelklädsel.

Ordet spred sig om den franske designern och 1971 fick han äran att inreda presidentens bostad i Elyséepalatset. Det var här som fåtöljen Pumpkin Armchair, numera återlanserad av Ligne Roset, kom till när den specifikt ritades för den dåvarande presidenten, Georges Pompidou. Men något större erkännande i allmänhet skulle Pierre Paulin aldrig få. Och det är det här som hans son, Benjamin Paulin, vill ändra på: synliggöra sin faders arbete där han i 60 år skapat massvis av ikoniska och färgstarka verk. Pierre var som sagt en blygsam man och skröt knappast om sina framgångar. Detta var också något som blev extra tydligt när han ifrågasatte sig själv och sina verk hela tiden, enligt Benjamin Paulin.


Pumpkin Armchair från Ligne Roset, formgiven 1971 specifikt för presidentens bostad.

Paulin, Paulin, Paulin och samarbetet med Ligne Roset

Benjamin Paulin och hans fru tillika designer Alice Lemoine driver i dag Paulin, Paulin, Paulin. Dedikerade till sitt arbete är de fast beslutna om att bevara och skydda Paulins kreativa arv. Många av Pierres verk nådde endast prototypstadiet, men tack vare sonens initiativ får flera nya verk som aldrig hamnat i produktion eller fallit i glömska nytt liv. Flera av dessa möbler är i dag återlanserade av Ligne Roset – det franska möbelföretaget med samma distinkta formspråk och DNA som Pierre Paulin. Redan innan sin bortgång hann Pierre bekanta sig med familjeägda Ligne Roset, och vars samarbete i dag har tagit nya former och växt sig allt starkare med hjälp av Pierres familj.

Redan 2008, ett år innan innan Pierres bortgång, återlanserade Ligne Roset flera möbler designade av den franske legenden, däribland ikonen Pumpkin Armchair. Därefter har Ligne Roset fortsatt, i samarbete med Paulin, Paulin, Paulin, att återlansera ytterligare möbler. En allra särskild spännande ikon som har lanserats på nytt är den enastående dagbädden Daybed, som faktiskt introducerades redan 1953 på Salon des Arts Ménagers när en nervös Pierre för första gången skulle visa upp sina möbler, med skakiga ben, och ett investeringskapital som helt backades av fadern.


Daybed, en av Pierres Paulins första möbler som presenterades 1953.

Förutom samarbeten med Ligne Roset finns det i dag även samarbeten med Gubi och 2018 återlanserade de tillsammans Pacha Lounge Chair. Med sina runda former och avsaknaden av traditionella stolsben var fåtöljen ett sätt att komma närmre golvet, något som var drivkraften för Pierre i skapandet av Pacha Lounge Chair. Fåtöljen designades ursprungligen 1975, men det är först nu som den fått sitt genomslag – som många av hans andra möbler.


Pacha Lounge Chair från Gubi.

Pierres legendariska verk lever vidare

Numera kan du hitta soffor från Pierre Paulin uppradade längs med en Louis Vuitton-runway eller så kan du scrolla Instagram-flödet för att se Frank Ocean slappandes i en av Pierres soffor. Kanske är det så att fransmannen äntligen får det erkännande han förtjänar. Benjamin Paulins arbete med att försöka hjälpa människor – och den stora massan – att förstå andan i hans fars design börjar ger resultat. Men då har antagligen inte ens alla av Pierres okända verk släppts ännu. Säkerligen finns det några prototyper kvar där ute, klädda med stretchtyg eller inte, och i uppiggande kulörer, som är redo att se dagens ljus på nytt. Den franske legenden Pierre Paulin, och hans legendariska verk, lever vidare.

Sidor

  • Privat
  • Företag
Meny